a cura di Pier Maria Bocchi

Sono gli aneddoti, le chiacchiere e i pettegolezzi che caratterizzano e marchiano a fuoco la nascita e i primi lustri di Hollywood. Ma la Storia del Cinema (non soltanto Americano) non sarebbe la stessa senza le invenzioni, la genialità e il mercato della cosiddetta Babilonia hollywoodiana, un luogo e un tempo dove la febbre del cinema possiede le medesime “qualità”, fra ambizione e frenesia, della febbre dell’oro. Qui hanno origine le leggende e ha origine, soprattutto, il mito, così come l’abbiamo sempre conosciuto e come lo conosciamo ancora oggi, in una terra di profonde e velocissime trasformazioni, di progettualità senza limiti e di espansionismo incontrollabile. E mentre anche Los Angeles stessa corre verso il futuro, i film e i registi si susseguono senza soluzione di continuità, in una tensione verso la modernità che dal muto conduce al sonoro. Da Charlie Chaplin e David W. Griffith a Il cantante di jazz (1927): il cinema cresce, cambia, diventa grande!

Pier Maria Bocchi è studioso e critico cinematografico. Collabora con “Film Tv” ed è redattore di “Cineforum”. Ha scritto per “Nocturno”, “Blow Up”, “Panoramiche”, “Brancaleone”, “Rifrazioni”, “Segnocinema”, “Marla”, “Total Film”, per la “Storia del Cinema Italiano” della Scuola Nazionale di Cinema e per numerosi testi collettanei. Tra le sue pubblicazioni: Michael Mann (Il Castoro), Mauro Bolognini (con Alberto Pezzotta, Il Castoro), Mondo Queer. Cinema e militanza gay (Lindau), Guy Maddin (Bergamo Film Meeting), Agustí Villaronga (Bergamo Film Meeting), Jim Jarmusch. American Samurai (Centro Espressioni Cinematografiche / Cinemazero), Claire Denis (con Luca Malavasi, Bergamo Film Meeting), Musical! Sex! La rappresentazione dei sessi nel Musical hollywoodiano (Tuttle), Woody Allen. Quarant’anni di cinema (Le Mani), Invasion Usa. Idee e ideologie del cinema americano anni ’80 (Bietti Heterotopia), Brivido caldo. Una storia contemporanea del neo-noir (Rubbettino) e Michael Mann. Creatore di immagini (minimum fax), So cosa hai fatto. Scenari, pratiche e sentimenti dell’horror moderno (Lindau). È stato per anni collaboratore del dizionario dei film Il Mereghetti. Ha curato le interviste e le ricerche per il documentario Made in Hong Kong. Dal 2007 al 2019 ha fatto parte del comitato di selezione del Torino Film Festival. Dal 2020 al 2021 è stato curatore della sezione Le stanze di Rol del Torino Film Festival. Insegna Scrittura critica per i media contemporanei all’Università di Pavia.

a cura di Federico Pedroni

Dopo la prima grande rivoluzione del cinema, l’avvento del sonoro, Hollywood inizia una nuova fase e definisce quello che sarà il “canone” di riferimento per i manuali di storia. L’affermazione dei grandi studios, la definizione dello star system, la nascita di una nuova generazione di autori americani a cui si aggiungono quasi tutti i maggiori registi europei, in fuga dall’Europa in fiamme, che infondono nei nuovi modelli di narrazione alcune reminiscenze delle avanguardie da cui provenivano. Hollywood è “la fabbrica dei sogni”, una sorta di paese delle meraviglie (o dei balocchi) in cui gli attori diventano leggenda e i film sono capaci di costruire un immaginario (ottimo anche per l’esportazione) che attraversa la grande depressione e il New Deal, la Seconda Guerra Mondiale e la nuova America del dopoguerra. Il cinema americano tra gli anni ‘30 e gli ‘50 è l’espressione di un’arte al massimo fulgore e di una potenza di fuoco industriale che non ha paragoni nel mondo culturale. Gli anni ‘60 porteranno i germi della novità, ammalando quel “corpo perfetto” e allo stesso tempo permettendogli una resurrezione al passo con i tempi che stanno cambiando.

Federico Pedroni lavora a Rai Cinema e dal 2007 al 2019 è stato selezionatore per il Torino Film Festival. Dal 2022 al 2024 è membro della Commissione di selezione della Settimana Internazionale della Critica di Venezia. Dal 2023 è co-delegato artistico del Festival du Film Italien de Villerupt. Scrive su “Cineforum” e Duels.it e ha collaborato con numerosi altri siti e riviste. Per Feltrinelli ha curato le antologie critiche dedicate a Mike Leigh e Aki Kaurismäki; ha tradotto Paul Newman. Una vita (Dalai, 2010) e ha curato, con Emiliano Morreale, l’edizione italiana di The Story of Film (2020) di Mark Cousins per Bim Distribuzione. Per la collana “Pagine di MoliseCinema” ha curato i volumi Alba Rohrwacher. L’acrobata del cinema italiano (2019), Jasmine Trinca. Uno sguardo altro (2021) e Valerio Mastandrea. Per caso ma non per sbaglio (2024). Ha pubblicato saggi e interventi su diverse pubblicazioni scrivendo di storia e critica del cinema italiano e internazionale.

a cura di Emanuela Martini

Vagano, si rincorrono, fuggono, si fermano, ma poi, quasi sempre ripartono; attraversano gli States, da una costa all’altra (in entrambe le direzioni) oppure in verticale, verso San Francisco o New Orleans o altrove, in moto, in auto, in autostop; oppure restano desolantemente ancorati al posto, la città, il villaggio, il quartiere nel quale vivono: sono gli antieroi (uomini soprattutto, ma anche donne) che il cinema americano scopre e rivela alla fine degli anni 60: i ribelli, gli insoddisfatti, quelli delusi da un Sogno che è miseramente crollato. Cambiano le facce, i corpi, si affermano le fisionomie inquiete di Jack Nicholson, Robert De Niro, Faye Dunaway, Al Pacino, Goldie Hawn, gene Hackman. Cambia il linguaggio del cinema, le musiche e i paesaggi esplodono, le città sono trappole infernali, la politica un inganno clamoroso, come la Storia e le storie che ci hanno raccontato. Crescono qui i grandi: Scorsese, Coppola, Altman, Spielberg, Cimino, Pollack, e gettano le basi del cinema successivo. Un nuovo cinema porta a una Nuova Hollywood, da Easy Rider allo Squalo, e oltre.

Emanuela Martini, romagnola, nata a Forlì, laureata in Scienze Politiche, appassionata di cinema fin dall’infanzia, cresciuta tra i generi più disparati (dai mélo di Sirk a Jerry Lewis, dai musical alla fantascienza) e tra le più eccentriche proiezioni dei cineclub (Bergman, Neorealismo, Stroheim, Busby Berkeley e Hammer horror). Critico cinematografico, nel comitato di redazione di “Cineforum” dalla fine degli anni ’70, direttore di “FilmTv” dal 1996 al 2007, a lungo collaboratore del Domenicale del “Sole 24 Ore”, co-direttore di Bergamo Film Meeting dal 1987 al 2007, è stata membro della commissione di selezione della Settimana della Critica della Mostra del Cinema di Venezia e poi selezionatore di altre sezioni della Mostra, e dal 2007 al 2019 vicedirettore e poi direttore del Torino Film Festival. Da dicembre 2020 è direttore responsabile di Cineforum Rivista. Esperta di cinema anglo-americano, ha scritto: Storia del cinema inglese, Il lungo addio. L’America di Robert Altman, il Castoro su Powell e Pressburger e su Gianni Amelio, Shakespeare e il cinema e numerose altre monografie su generi e autori. Vive a Milano, prevalentemente con compagni felini.

a cura di Luca Malavasi

Tra i fenomeni più influenti e insieme complessi della produzione culturale degli anni Ottanta e Novanta, il Postmodernismo ha offerto negli Stati Uniti la sua versione più smagliante. E questo anche grazie al cinema, dove nuovi autori come Brian De Palma, Woody Allen e David Lynch, Quentin Tarantino, Paul Thomas Anderson e i fratelli Coen fanno del postmodernismo lo stile più influente e originale dell’epoca: un nuovo modo di fare cinema ma, soprattutto, di pensare il cinema in rapporto a una nuova società delle immagini e a un mutato contesto storico, sociale e culturale, in cui il rapporto tra realtà, media, tecnologie e rappresentazioni comincia a cambiare profondamente, anticipando molti dei fenomeni attuali.

Luca Malavasi è professore associato presso l’Università di Genova, dove insegna Storia e analisi del film ed Elementi di cultura visuale. Si occupa prevalentemente di storia e teoria del cinema e dei media e di cultura visuale. Scrive per “Cineforum” e “Film Tv”. Tra i suoi libri: Realismo e tecnologia. Caratteri del cinema contemporaneo (Kaplan, 2013), Il cinema. Percorsi storici e questioni teoriche (con Giulia Carluccio e Federica Villa, Carocci, 2015; nuova edizione 2022), Postmoderno e cinema. Nuove prospettive d’analisi (Carocci, 2017), Il linguaggio del cinema (Pearson, 2019), Dalla parte delle immagini. Temi di cultura visuale (con B. Grespi, McGraw-Hill, 2022), Pianeta Varda (a cura di, con A. Masecchia, ETS, 2022), Il cinema contemporaneo. Caratteristiche, identità culturale, esperienza (UTET Università, 2024), Christopher Nolan (Marsilio, 2024).

a cura di Ilaria Feole

Come è cambiato il cinema americano con lo scoccare del terzo millennio? E in che direzione si sta muovendo, ora che un quarto di secolo è trascorso? Facciamo il punto su nomi e tendenze del panorama a stelle e strisce contemporaneo: dalle famiglie disfunzionali di Wes Anderson ai padri e mentori fallibili di Paul Thomas Anderson; dal cinema adrenalinico e politico di Kathryn Bigelow a quello queer e mélo di Todd Haynes; dal visionario Darren Aronofsky alle sperimentazioni di Steven Soderbergh. Un percorso attraverso i generi, anche: dall’horror satirico di Jordan Peele a quello grottesco di Ari Aster, dagli anti-western di Kelly Reichardt al musical riletto da Damien Chazelle, passando per l’evoluzione del cinema indipendente che si fa mainstream con Richard Linklater, Noah Baumbach, i Safdie e Sean Baker. E ancora: le voci dai margini nel cinema di Barry Jenkins e Chloé Zhao; le animazioni della Pixar e il cinema al femminile, da Sofia Coppola e Greta Gerwig fino allo shock culturale del #MeToo e alla sua influenza sulla Settima Arte.

Ilaria Feole è nata a Milano nel 1983. Scrive di cinema e serie tv per il settimanale “Film Tv” ed è docente alla Civica scuola di cinema Luchino Visconti di Milano e alla Scuola Holden di Torino. È autrice delle monografie: Wes Anderson. Genitori, figli e altri animali (Bietti, 2014), C’era una volta in America di Sergio Leone (Gremese, 2018), Architetture del desiderio. Il cinema di Céline Sciamma (Asterisco, 2021) ed è tra gli autori di Tutto Fellini (Gremese, 2019). Con Alice Cucchetti è autrice della newsletter singolarefemminile.substack.

a cura di Pier Maria Bocchi

La tragedia dell’11 settembre 2001 è, come noto, un giro di boa della Storia. Ma lo è anche per la storia del cinema (americano ma non solo) e delle immagini. Tutti vediamo (in televisione). E tutti ne subiamo i contraccolpi. La produzione cinematografica e il nostro sguardo sulla realtà non saranno più gli stessi. L’America perde definitivamente l’innocenza (già perduta negli anni ’70 e riconquistata negli anni ’80). E il cinema, che le cose del mondo elabora e rispecchia, non può che farne tesoro. Nasce il cosiddetto immaginario del post-9/11, dove domina la paura e il catastrofismo, già peraltro acuiti dal recentissimo ingresso nel nuovo secolo. Hollywood frena e cambia contemporaneamente: molte produzioni si interrompono perché “scomode” e molte altre ricevono la green light proprio in ragione di una diversa percezione del mondo (e dell’altro-da-sé). Da certi action con Arnold Schwarzenegger al cinema di Richard Kelly, il cinema statunitense assorbe e metabolizza un dramma epocale a modo suo. Creando un genere, attorno al quale la critica insisterà (fin troppo).

Pier Maria Bocchi è studioso e critico cinematografico. Collabora con “Film Tv” ed è redattore di “Cineforum”. Ha scritto per “Nocturno”, “Blow Up”, “Panoramiche”, “Brancaleone”, “Rifrazioni”, “Segnocinema”, “Marla”, “Total Film”, per la “Storia del Cinema Italiano” della Scuola Nazionale di Cinema e per numerosi testi collettanei. Tra le sue pubblicazioni: Michael Mann (Il Castoro), Mauro Bolognini (con Alberto Pezzotta, Il Castoro), Mondo Queer. Cinema e militanza gay (Lindau), Guy Maddin (Bergamo Film Meeting), Agustí Villaronga (Bergamo Film Meeting), Jim Jarmusch. American Samurai (Centro Espressioni Cinematografiche / Cinemazero), Claire Denis (con Luca Malavasi, Bergamo Film Meeting), Musical! Sex! La rappresentazione dei sessi nel Musical hollywoodiano (Tuttle), Woody Allen. Quarant’anni di cinema (Le Mani), Invasion Usa. Idee e ideologie del cinema americano anni ’80 (Bietti Heterotopia), Brivido caldo. Una storia contemporanea del neo-noir (Rubbettino) e Michael Mann. Creatore di immagini (minimum fax), So cosa hai fatto. Scenari, pratiche e sentimenti dell’horror moderno (Lindau). È stato per anni collaboratore del dizionario dei film Il Mereghetti. Ha curato le interviste e le ricerche per il documentario Made in Hong Kong. Dal 2007 al 2019 ha fatto parte del comitato di selezione del Torino Film Festival. Dal 2020 al 2021 è stato curatore della sezione Le stanze di Rol del Torino Film Festival. Insegna Scrittura critica per i media contemporanei all’Università di Pavia.